Grecia Cretas y Micenas El arte cretense Los cretenses:


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1 Grecia Se denomina arte clásico a las manifestaciones artística de la civilización grecorromana. La importancia de este arte viene determinada por: La calidad de la producción artística La trascendencia posterior o considerada como modelo y germen de la cultura occidental, así como cuna de muchas ciencias (literatura, historia...) Cretas y Micenas En el segundo milenio a.c., en el Egeo, se desarrollan dos civilizaciones importantes, la cretense y la micénica, que van a ser precedente y base cultural de la civilización griega. Su posición entre Egipto y Mesopotamia favoreció su desarrollo cultural y económico. El arte cretense La situación de Creta en el centro del Mediterráneo Oriental, en una isla fértil y con buenos puertos, permitió que alcanzara un gran nivel cultural y económico. Tenía relación con todos los países orientales gracias a ser la primera gran flota que registra la historia. Los cretenses: Habitan en ciudades y viven del comercio. Tienen una civilización de tipo urbano. El arte cretense es cortesano y aristocrático, y hay que destacar en él la ausencia de toda representación bélica. La Cultura y el Arte cretenses son de los más originales de la antigüedad, pues se relaciona con todas las antiguas civilizaciones sin perder sus características peculiares. La Historia de Creta atraviesa tres períodos: Minoico Antiguo: del al a.c. Minoico Medio: del al a.c. y del al a.c. (a este último periodo pertenecen las mayores realizaciones artísticas). Minoico Reciente: del al ó a.c. (Los cretenses sometidos a sus conquistadores griegos).

2 Arte Micénico Hacia el año a.c. invaden Grecia los aqueos y los jonios, tribus indoeuropeas. Eran pueblos belicosos, por lo que sus ciudades estaban fortificadas y su arte era viril y riguroso, muy distinto del delicado arte cretense. La civilización micénica era de tipo feudal, ensalzada en "La Iliada" por Homero. Entre el y el a.c. otros invasores indoeuropeos, los dorios, aniquilaron estas ciudades y tomaron el timón de la historia griega. Orfebrería Los joyeros cretenses pudieron haber conseguido su conocimiento de Asia Occidental, siendo expertos en la fabricación de piezas de oro. En tumbas minoicas en Creta se han encontrado: Diademas, adornos para el pelo, collares, pulseras, cadenas complejas... Las técnicas de granulado y filigrana se introdujeron alrededor de 2000 a.c. Hacia 1550 a.c., la civilización minoica y su estilo de joyería se entendieron a Grecia. Colgante de oro que muestra al dios cretense de la naturaleza con dos patos. La figura lleva falda minoica y se plantea como un Maestro de los animales. Destacan las máscaras, como La máscara de la tumba de Agamenón en Micenas que es una máscara funeraria que se ponía sobre los muertos, por lo que tiene los ojos y la boca cerrados y está hueca. Vasos, como los Vasos de Vafio que estilísticamente pertenecen al arte minoico reciente.

3 Diadema micénica de la Tumba III,-fechada hacia el siglo XIV a.c.-. Observemos en ella, igualmente una decoración con semiesferas, completa el ornamento de lo considerado como joyas pertenecientes al rey. Rhytón en plata y oro con forma de cabeza de Toro. Procede de la Tumba IV de Micenas. Considerado cretense, se fecha entre los siglos XVI y XV a.c.. En su frente lleva la "roseta" designada como "flor solar", por ser un símbolo del Astro Rey en todo el Mediterráneo Oriental entre los siglos XV y V a.c. Identificación entre la vaca (y el toro) con la Luna y el Sol (por los cuernos); tanto como porque es normal que algunos bovinos nazcan con estas marcas sobre la frente (llamadas luceros); de las que siempre se ha dicho que daban buena suerte y se relacionaban con las estrellas. Grecia En el Arte Griego encontramos ya los conceptos estéticos que van a predominar en la cultura occidental. La belleza está en la armonía de las medidas y proporciones, en la simetría, siendo el cuerpo humano el fundamento esencial de toda belleza y toda proporción, antropocentrismo. Aunque es un Arte que se apoya en la naturaleza, la trasciende, tendiendo a la creación de un mundo idealizado. Etapas Período Arcaico, siglos VIII al VI a.c., desde el final de la llamada Edad Oscura hasta las Guerras Médicas ( a.c.) Etapa Clásica, siglos V y IV a.c., desde las Guerras Médicas contra los invasores persas hasta el fin de la Guerra del Peloponeso (404 a. C.) (Atenas vs Esparta)

4 Período Helenístico, desde finales del siglo IV a.c., a partir del reinado de Alejandro Magno ( a. C.), hasta la conquista de Grecia por Roma, a mediados del II a.c. Sociedad Griega Organización No son un pueblo uniforme sino una serie de tribus con una lengua, religión y antepasados comunes. A partir del II milenio a.c., se fundan colonias en las costas del Mediterráneo. Se organizan en ciudades (polis) independientes Sociedad Eran una sociedad esclavista Se componía por: Libres esclavos Libres No pertenecían a nadie y podían ser propietarios de esclavos dependiendo de su riqueza. Se dividen a su vez en dos categorías: Ciudadanos: con derechos políticos (votar y ser elegidos). En las polis de Atenas eran hijos de padre y madre ateniense. Pagaban impuestos y debían servir en el ejercito. Eran la minoría, apenas el 10% No ciudadanos : metecos, emigrantes residentes en la ciudad. Eran libres pero sin derechos políticos. Dedicados a la artesanía y comercio. Esclavos Desprovistos de cualquier tipo de derecho. Eran propiedad de hombres libres o del Estado. Podían llegar a ser esclavos por varios medios: Prisionero de guerra, hijo de esclavos, deudas, rapto... Había de distintos tipos (especializado (ej. Médico) o no especializado (agricultura o minería) Mujeres A pesar de ser libres carecían de derechos políticos. Estaban sometidas al varón (padre, marido...) Sus movimientos estaban muy restringidos. Actividades designadas para varones (como los juegos) estaban vetadas a la mujer. Las mujeres adineradas apenas salía de su hogar, teniendo en esta un espacio particular denominado el gineceo.

5 Arte griego Características generales Humanismo: el hombre siempre está presente en el arte, incluso en las divinidades. Pitágoras el hombre es medida de todas las cosas. Búsqueda de la belleza ideal: entendida como la armonía de las partes que componen el todo. Se relaciona con las ideas de proporción y equilibrio. Cronología El arte griego inicia su desarrollo el final de la época micénica. Periodos Geométrico: a.c. Clásico a.c Arcaico a.c Helenístico a.c Arquitectura Griega Características Materiales: piedra, mármol (arquitectura oficial) Arquitrabada: predominio de líneas rectas, horizontales y verticales Policromada Armonía visual (con correcciones ópticas. Ej. Partenón) Órdenes arquitectónicos El elemento básico de la arquitectura griega es la columna, al tratarse de una arquitectura adintelada en la cual es el elemento sustentante principal. Dórico, Jónico y corintio. Cariátides y atlantes

6 Cariátides: Columnas con escultura femenina sustentando entablamentos jónicos. Atlantes = masculinos. Tipología Templo: construcción por excelencia. Creación de espacios públicos. Teatro, hipódromo, gimnasios Templos Su finalidad es conservar la imagen del dios, no hay ninguna liturgia en su interior, por lo que es más importante su decoración y estructura exterior, que la creación espacios interiores. (destinados al culto de divinidades) Estructura o Cella o naos. o Pronaos o pórtico delantero obtenido a prolongar los muros de la cella rematados por pilastras (antas). o Puede contar con opistodomos, pórtico trasero no comunicado con la cella. Clasificación: Se clasifica según: o La situación de las columnas (in antis, próstilo, anfiprostilo...) o El número de columnas en los frentes menores. Arquitectura arcaica (S. VII al VI a.c) Templos largos y estrechos, robustos. Abunda el orden dórico con columnas chafas y juntas entre si. El jónico es muy poco común. En los frentes menores hay un número impar de columnas Tesoros (pequeños templos) peregrinaje. Ej. Olimpia, Delfos.

7 Arquitectura clásica (S. V al IV a.c) Momento de esplendor Conjunto arquitectónico del Acrópolis de Atenas (s. V a.c.) Recinto sagrado de la polis de Atenas. Destruido hacia 480 a.c. durante las Guerras Médicas (contra los persas). Pericles encarga su reconstrucción en el V a.c. Se accede al Acrópolis a través de la "Vía Sacra" o de las "Panateneas", que desemboca en los "Propileos", y ya en su interior encontramos como edificios principales el "Partenón", el "Erecteion" y el "Templo de Atenea Niké". EL PARTENÓN Es el templo más importante de la Acrópolis. Se realizó en el 447a.C., momento de esplendor de Pericles. por los arquitectos Ictinos y Calícrates y el escultor Fidias Es un templo dedicado a Atenea Parthenos, fundadora de Atenas, es dórico, octástilo y períptero. La cella está dividida en dos naves por una doble columnata también dórica. El Opistodomos es cuadrado con cuatro columnas jónicas, siendo uno de los primeros edificios en el que se utilizan conjuntamente distintos órdenes. Está pensado para ser visto oblicuamente, desde los Propileos, por lo que tiene correcciones para evitar deformaciones ópticas, la línea del estilóbato tiene una ligera curva en las esquinas para no dar sensación de que el edificio se va a caer, las columnas de los ángulos son ligeramente más gruesas para que a la vista todas parezcan iguales, las líneas del frontón y de las columnas están ligeramente echadas hacia atrás para evitar la sensación de que se nos cae encima, etc.

8 Arquitectura helenistica (desde S.III a.c) Se inicia con la muerte de Alejandro Magno (323 a.c.) y termina con la conquista por Roma a mediados del siglo II a.c. Época de expansión de Grecia, la cultura griega se extiende, lo que produce la pérdida del mundo heleno y eclecticismo al tomar elementos ajenos a Grecia. Características: Mayor colosalismo, suntuosidad y enriquecimiento de los edificios Los órdenes pierden sus rígidas normativas: los fustes se estilizan, los entablamentos se hacen más finos, las basas se decoran... uso del orden corintio. Ejemplo. Templo de Zeus Olímpico en Atenas Enorme, de 41 por 107 metros, con más de 100 columnas de 17,20 metros de altura de orden corintio. Del siglo II a.c., pero terminado en el siglo II d.c. por el emperador romano Adriano. Escultura Griega Características: El hombre será el centro de la escultura griega, antropocentrismo. Belleza, expresión y movimiento definen sus rasgos principales. Pasando de la simplicidad arcaica al barroquismo helenístico, ganando en expresividad y dinamismo sólo con el tiempo. Naturalismo idealizado más que realismo. o Se trata de crear tipos ideales, no de reproducir rasgos individuales. Es un arte de volúmenes que requiere diferentes puntos de vista para ser contemplado. Materiales utilizados: Al principio en madera; luego sustituida por la piedra (mármol principalmente); también es muy utilizado el bronce (a la cera perdida); excepcionalmente crisoelefantinas (de marfil, oro y plata). Las esculturas generalmente estaban policromadas, salvo las obras realizadas en bronce. Tipología bulto redondo y relieves. Evolución Periodo geométrico y arcaico: influencia oriental (Egipto), antinaturalismo. Evolución hacia el naturalismo. o Kuroi o kuros: figura masculina desnuda, ley de la frontalidad, sonrisa arcaica, ojos almendrados, convencionalismos. Atletas. o Korai o kore: figuras femeninas, vestidas, mismas características, portan una ofrenda (flor, pájaro..) o se recogen el vestido. Sacerdotisas (están en templos). Periodo clásico: triunfo del naturalismo y del realismo idealizado. Periodo helenísitico: decaimiento de las polis. Individualización. Dispersión de centros artísticos (Rodas, Pérgamo, Alejandría) movimiento, figuras retorcidas, varios puntos de vista.

9 Escultura arcaica (S. VII al VI a.c) Esculturas previas: pequeños exvotos y xoanas (esculturas talladas sobre el propio tronco del árbol) Encontramos las primeras esculturas de gran formato realizadas en piedra: kouroi y korai. Características escultura arcaica: Figuras de cuerpo entero Actitud hierática, estatismo (ya que únicamente se desplaza un poco la pierna izquierda para sugerir el movimiento de andar, pero sin conseguir la sensación de desplazamiento). Ley de la frontalidad Modelado sencillo y de fuerte geometrización; Otros convencionalismos, como los grandes ojos almendrados, la sonrisa arcaica o eginética, expresión facial mediante un gesto forzado y convencional, las largas cabelleras de elementos geométricos, etc. Escultura clásica (S. V al IV a.c) La escultura llega a su culminación. Aparecen modelos de belleza y perfección plástica. SIGLO V a.c., ETAPA CLÁSICA o Conmemorar la victoria ante los Persas y reconstruir. o Objetivo: plasmar la belleza ideal, idealización. o Temática principal; cuerpo masculino desnudo, mitología, héroes...tratados con gran seriedad. o Fin del hieratismo y el único punto de vista. o MIRÓN, POLICLETO (Kanon), FIDIAS SIGLO IV a.c. o Época de crisis de las ciudades estado, disgregación tras la guerra del Peloponeso (Esparta vs Atenas). Aun así supremacía griega. o Dioses y héroes pero más cercanos al hombre. Actitud menos heroica, más cotidiana. o El canon se alarga. o PRAXÍTELES, SCOPAS, LISIPO.

10 ESCULTOR MIRÓN POLICLETO FÍDIAS PRAXÍTELES LISIPO IDEA Preocupado por la representación del movimiento, ausencia de expresión. Broncista. Búsqueda del canon ideal (7 cabezas) Doríforo Belleza ideal Relieves del Partenón. Atenea Partenos. Pérdida de la frontalidad, curva praxitelina. Preocupación naturalista. 8 cabezas. Discóbolo. Mirón Doríforo. Policleto Partenón. Fidias Hermes. Praxíteles Ménade herida. Scopas Apoxiomeno. Lisipo

11 Escultura helenistica (desde S.III a.c) Etapa de crisis de las polis. Las ciudades estado se engloban en una unidad política baja el dominio macedonio. Alejandro Magno. Los ideales griegos son sustituidos. La cultura griega se funde con las aportaciones de los pueblos orientales = surge una cultura mixta. Tradición clásica + orientalismo (colosalismo y decorativismo). Escultura más naturalista llegando incluso al realismos crudo, expresividad y dramatismo de los rostros, desequilibrio, cuerpos retorcidos, más puntos de vista... En resumen: se tiende a la barroquización Escultores anónimos ya que se trabaja por escuelas. Características: Escuelas: Triunfo del realismo el retrato: rasgos individuales, psicología. ALEJANDRÍA: alegorías PÉRGAMO: grandes Desnudo femenino. Afrodita de Milo composiciones RODAS: colosalismo y movimiento Temas de género: no héroes. Ej el espinario. ATENAS: gran realismo Pintura Fue muy importante, pero se han perdido. Podemos ver sus características en cerámicas, mosaico, copias romanas posteriores. Cerámica Formas y motivos decorativos variados: Leyendas heroicas, temas históricos, juegos atléticos, escenas de la vida cotidiana. Vemos su importancia firmadas tanto por el ceramista como el pintor. Estilos: Geométrico (X al VIII a.c) Corintio (hasta siglo VI a.c) De figuras negras De figuras rojas Policromada A) Estilo Geométrico (siglos X al VIII a.c.) - Motivos decorativos geométricos en bandas horizontales es el tema principal. - En el centro escenas, con El tema principal es una ceremonia funeraria; esquematismo y estilización; pintura plana, sin perspectiva ni proporción. B) Estilo Corintio (hasta el siglo VI a.c.) - Decoración de animales, reales y fantásticos, en franjas horizontales sobre fondo blanco. C) Estilo Orientalizante (hasta el siglo VI a.c.) - Motivos orientales, protagonistas las figuras humanas, también en bandas horizontales. Destaca el llamado Vaso Francois: del siglo VI a.c. F) Cerámica policromada - También se desarrolla en el siglo V a.c., cuando se añaden más colores. D) Cerámica de "figuras negras" - A partir del siglo VI a.c. lo narrativo desplaza a lo geométrico y desaparecen definitivamente las bandas, tema único en la panza del vaso. Ejemplo Odiseo y Ayax jugando a los dados de Exequias. E) Cerámica de "figuras rojas" - Aparece a finales del siglo VI a.c., pero su apogeo es en el siglo V a.c. Las escenas ganan en naturalismo y expresividad, se logran efectos de perspectiva, sensación de realidad espacial.

12 Joyería Griega Las máscara de Agamenón (héroe mitología griega cuyas historias son narradas en la Iliada) procede de una tumba de Micenas. Realizada en una fina lámina de oro mediante repujado. Muestra la crudeza de los rasgos del príncipe enterrado en esta cosa e identificado con Agamenón por su descubridor, Schlielman y, en realidad 350 años anterior a aquél. Con un lenguaje propio, el orfebre micénico ha pretendido reflejar la fisionomía de un hombre concreto y del modo más realista posible. Tesoro de Príamo (Troya) Descubierto por Schileman Los primeros objetos de oro y plata que aparecieron estaban dentro de un recipiente de cobre: Copas de oro de una libra de peso, Grandes jarros de plata, Diademas de oro, pulseras Cadenas para el cuello formadas por miles de laminillas de oro pacientemente engarzadas... Características de la joyería griega Los mismos principios que fundamentan en arte griego: Proporción El hombre como medida La moderación como uno de sus fundamentos de su estética. o Hasta el periodo helenístico. Los primeros pobladores de Grecia ya emplean joyas de oro y piedras preciosas. Heredaron la tecnología de los artesanos micénicos Apenas emplearon la incrustación de piedras en sus joyerías. Colgaban pequeños discos de oro perforado de vestidos y diademas Las primeras creaciones fueron sencillas, muy diferentes de las gemas de otras culturas, con el tiempo se complejizaran. Comenzaron a emplear oro y gemas hacia el 1400 a.c., y en el 300 a.c. ya dominaban el trabajo de piedras como amatista, perla y esmeralda, incluso su talla y grabado. Del anterior arte Minoico conservaron las tallas de marfil, que fueron joyas muy populares de este período.

13 Función Ornamental: El antiguo adorno griego tenía un destino que era acompañar, acentuar y realzar la belleza corporal. Especialmente la de las mujeres. Simbólica: expresar estatus del portador. Utilitaria Premio Protector: proteger de daños y potenciar determinadas cualidades (talismán) Conmemorativo: regalo en bodas, nacimientos, aniversarios... Uso votivo: ofrendas a dioses, templos... Uso funerario: ajuares Uso ritual: en ceremonias. Los griegos apenas usaban joyas y cuando lo hacían era para apariciones públicas o en ocasiones especiales. Se solían dar como regalo y eran llevadas predominantemente por mujeres para mostrar su riqueza, estatus y belleza. Algunas joyas se suponía que daban al portador protección contra el mal de ojo o los dotaba de poderes sobrenaturales, mientras que otras tenían un simbolismo religioso. Las piezas más antiguas encontradas estaban dedicadas a los dioses. La mayor producción de joyas en esos tiempos provenía del norte de Grecia y Macedonia. Sin embargo, aunque mucha de la joyería en Grecia se fabricaba en oro y plata con marfil y gemas, llegaron a hacer copias en bronce y arcilla. Materiales No se encuentra una excesiva suntuosidad del material ni de la técnica que no sea acorde con la naturaleza de los elementos empleados (equilibrio) ORO (escaso) ESMALTES (desde de la época clásica) PLATA (abundante) apenas se emplea y cuando se hace es PIEDRAS PRECIOSAS Y PERLAS (desde Alejandro Magno) en blanco y verde PASTA VÍTREA: generalmente la rechazan Técnica Trabajaron con dos tipos de piezas: las creadas a partir de moldes y las elaboradas a partir de planchas de metal. Se conservan pocas piezas de las primeras. Éstas eran realizadas vertiendo el metal sobre dos moldes de piedra o arcilla. Estas dos mitades se unían con cera, y seguidamente se añadía el metal fundido quemando la cera y uniendo ambas piezas. o Esta técnica ha sido practicada desde la Edad de Bronce tardía. Aunque la forma más común de joyería era a partir de planchas de metal. Las hojas de metal eran amartilladas hasta el espesor deseado y entonces soldadas juntas. El interior de ambas planchas era rellenado con cera u otro material para preservar el trabajo sobre el metal con diversas técnicas, como el estampado o el grabado, usadas para crear motivos en las joyas. Además le añadían cavidades en la superficie para adicionarle vidrio.

14 Emplearon la técnica de la filigrana, el granulad, repujado, grabado, engaste, incrustaciones y esmaltado. Se trata de piezas conformadas por elementos aislados que posteriormente se sueldan. Predomina el uso del hilo y la laminación Motivos decorativos Los griegos tomaron gran parte de sus diseños del exterior. Asia, cuando Alejandro Magno conquistó parte de ella. Anteriormente ya fueron detectadas influencias europeas. Cuando el dominio romano llegó a Grecia, no se detectó ningún cambio en los diseños. En cambio, alrededor del 27 a. C., sí que estuvieron fuertemente influenciados por la cultura romana. Todo esto no significa que los diseños autóctonos no prosperasen: numerosos colgantes en forma de mariposa (símbolo del alma) en cadenas de plata, que datan del s. I a. C., han sido encontrados cerca de Olbia, como único ejemplo, ya que no han sido hallados en ningún lugar más. Los motivos decorativos evolucionan de formas geométricas a formas naturalistas. Iconografía: Tipologías Animales o Carneros o Leones o Serpientes o Esfinges Figuras humanas o Divinidades o Héroes Motivos vegetales o Roseta o Palmeta o Hojas o Bellotas o... Joyas para mujer Habituales o Collar, pendientes, anillos, brazaletes Ceremoniales o Diademas, cadena busto Rutinarias o Fíbula, alfiler Joyas para hombre Habitual o Anillo sello Ocasiones especiales o Diademas Zona orientales o Brazaletes y pendientes Camafeos Fabricados sobre piedras preciosas. Ej. con una piedra de ágata procedente de la India llamada Sardónice = ágata de color amarillento más o menos oscuro.

15 Coronas de Laurel Fue muy utilizada la guirnalda de laurel que se usaba como corona de honor para campeones olímpicos, héroes y sabios, y que estaba consagrada a Apolo, dios del intelecto y de la luz. Las guirnaldas de oro se usaban como coronas adornadas con hojas, flores, bellotas... Pendientes Existen diferentes tipos: Medias lunas que hacen de pendientes y de las que cuelgas cadenitas Aretes con forma de barquilla. Zarzillos, pendiente sin colgante. Estos pendientes evolucionan después del periodo clásico en la representación de cabezas de hombre o animales en reposo. También evolucionan y se representan con materiales ricos y vistosos colores (por influencia extranjera). Los aretes serán tan grandes y ricos que a causa de su excesivo peso ya no es posible fijarlos a las orejas, sino que es necesario sujetarlos al tocado. Una de las tipologías más usadas desde la época arcaica hasta la helenística. Llega por influencias orientales (origen en Mesopotamia). El cierre de gancho es también muy común en Grecia Anillos Destacan los anillos con sellos biselados y otras piedras preciosas y semipreciosas. Se utiliza muchos los anillos de sellar. Según un concilio o tratado les está prohibido a los grabadores de sellos retener estos con el fin de evitar posibles falsificaciones. Los anillos de sellar se transmitían (heredaban), esta forma de posesión del anillo llevaba implícita la transmisión de poder, su mera exhibición, es decir llevarlo puesto en esa persona valía como testimonia de su poder.

16 Ejemplo: Alejando Magno toma su anillo de sellar que había quitado el rey persa Daría al vencerlo y lo entrega a su general Perdícas, designándolo así su sucesor. Brazaletes y sortijas Eran apreciados aderezos femeninos. Fíbulas y Broches

17 Evolución Época Arcaica Los fenicios introdujeron motivos y técnicas micénicas y orientales Escasez de oro salvo en la colonias Predominio de la influencia etrusca: granulado Fíbula de oro macizo. 8 cm. De una sola pieza, decoración de bandas paralelas en zigzag. Formas geométricas. Influencia de la cerámica de la época. Tres espirales para adornar el cabello. Realizadas en hilo de oro y chapas circulares muy finas. Has diferentes hipótesis sobre su utilidad, se cree que podría tratarse desde pendientes, anillos o fíbulas, aunque la hipótesis de que se traten de adornos para el pelo cobra más fuerza ya que se han encontrado ejemplos posteriores como los etruscos. Pendientes en espiral. No forman parte del mismo par, el de la izquierda pesa 13,9 gr y 2,7 cm mientras que el de derecha 23,5 gr y 2,9 cm. Los pendientes tienen forma de espiral y están decorados en los extremos, la decoración que presentan son bandas con granulados, con forma triangular, espirales con filigrana, al igual que las bandas trenzadas, también de filigrana y se rematan en una pirámide con granulado. Se sabe que eran pendientes que se colocaban en el lóbulo de la oreja, llevadas por mujeres, se ha visto en monedas. Corona de oro con aceitunas y cigarra. Árbol de hoja perenne, típico de Grecia, idea de perdurabilidad. Tratamiento naturalista de las hojas. Los griegos empleaban estas coronas como objeto de honor para los campeones olímpicos, héroes y sabios. Mide 18,5 cm, en el centro hay una flor con 8 pétalos. Anillo y brazalete con cabeza de león. Rematados con cabeza de león, una a cada lado. Anillo con decoración de filigrana y en el centro una roseta.

18 Época clásica Predominará un adorno corporal caracterizado por formas finas y flexibles, como colgaduras que siguen el movimiento natural del cuerpo humano. Las argollas rígidas y pesadas de metales preciosos para el cuello o muñecas que impedían u ocultaban el movimiento se descalificaron como obras bárbaras. El tipo de adorno será ligero, móvil y delicado. No hay artistas orfebres reconocidos. Los motivos de un artista pasan a ser propiedad de todos, realizando adaptaciones. El color se rechaza porque un motivo de color fuerte atrae las miradas, y al interrumpir la quietud reposada y armónica con que se observa la figura perturba la impresión del conjunto: búsqueda del equilibro estático, armonía. Joyas del siglo V a.c Adornos ligeros y flexibles que acentúan la belleza del cuerpo humano Mesura en el empleo de los materiales Naturalismo en los motivos ornamentales Armonía, simetría, sobriedad en las formas Joyas del siglo IV a.c. Brazalete: Realizado con lámina de oro e hilo sobre cristal de roca. Combina influencias orientales (el brazalete tipo torque con finales de cabeza de animal) con tradición griega (cabeza de cordero). Época Helenística La influencia oriental transformó el mundo griego: Originalidad, suntuosidad y exageración en las formas Se introdujeron nuevos modelos, nuevas técnicas y nuevos materiales. Debido al intercambio comercial con oriente, las piezas empiezan a tener policromías. Y el individualismo del orfebre se acentúa. Las piezas son más refinadas y ricas en materiales. Para satisfacer a una clientela ávida de lujo y con un gusto nuevo el artista de la época helenística concede mayor atención a la originalidad y la suntuosidad del conjunto. Escoge piedras raras, brillantes y de diversos colores con el fin de obtener una policromía más llamativa. También se inclina hacia una exageración en el tamaño de la joya.

19 En el periodo helenístico, del 330 al 27 a.c., que comienza con las conquistas de Alejandro. Las relaciones comerciales con Oriente y Egipto, trajeron profundos cambios en el gusto y el estilo en la arquitectura, el modo de vestir, en las moda de las joyas y en las técnicas de joyería. Se introdujeron nuevos tipos de joyas, y aumentó el uso del oro, de las piedras preciosas y semipreciosas, tales como la amatista, calcedonia, cornalina, granate, y cristal de la roca. Los griegos, que no eran buenos diseñadores de joyas, se inspiraban en los modelos de alhajas egipcias y asirias, que les vendían los mercaderes fenicios. Se utilizaron colgantes con forma de ánforas, cupidos, palomas, etc., pero la innovación más importante en joyería, consistió en incorporar a las alhajas de collares, grandes piedras preciosas de color, especialmente granates. Las mujeres de Grecia llevaban distintos diseños de joyas de brazaletes y diademas de oro y piedras preciosas y semipreciosas. Los griegos comenzaron a usar oro y gemas en joyería en el 1600 a. C., aunque en tiempos más remotos produjeron abalorios con formas de conchas y animales. En el 300 a. C., se especializaron en hacer joyas coloreadas usando amatistas, perlas y esmeraldas.

20 Par de pendientes con la diosa Atenea Nike. Representada como la diosa alada en el centro. Rosetón: circulo arriba, filigrana y granulado flor en el centro. Diosa debajo pirámide invertida granulado y filigrana. De sus alas cuelgan 4 cadenas, dos delante con bailarinas, 2 figuras femeninas detrás con cera perdida. Pertenece al tesoro de una mujer de Taranto. Materiales: oro, cornalina, granate. Collar de oro: puro 36 cm. Realizado con una cadena de hilos entrelazados des que suspenden 114 esferas. Dos brazaletes con forma de serpiente y 6,5 cm de diámetro Anillo: haciendo espiral con hilo, rematado en 4 granates, dos a cada lado. Pendientes: 5,6 cm. Aparece representada Atenea Nike. Redecilla para la cabeza oro y granates. Centro relieve con la cabeza de medusa. Cadena excepcionalmente larga 111 cm con nudo de Heracles grande

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